Bach, Gonoud, “Ave María” y Bobby McFerrin

¿Qué relación tienen los cuatro elementos mencionados?

Aún cuan la base de la música universal (de influencia occidental) ya había sido originada en Grecia, J.S. Bach le dio el último toque al crear la relación equidistante de semitonos para poder efectuar una afinación perfecta en la naciente generación de instrumentos de tecla. Dicho sistema conocido como escala bien temperada de Bach, la cual el músico genio utilizó, difundió y nos dejó como legado en varios volúmenes de música escrita que denominó “Clave bien temperado”. De esta obra es el Preludio No. 1 que años más tarde el compositor francés Charles Gonoud, utilizó de base armónica para una obra que hoy es universalmente conocida como el “Ave María” y que en este video que les comparto es cantada y dirigida por el músico y cantante neoyorquino Bobby McFerrin a quienes algunas personas identifican con el hit de los 80’s “Don’t worry, be happy”, pero cuya carrera ha sido más prolífica que eso. Una versión realmente original que espero que disfruten.

La exquisitez de Annie Haslam y Steve Howe

Magnacarta es un sello discográfico norteamericano que se ha distinguido por promover artistas del género progresivo. En 1995 la firma conjuntó una pléyade de estrellas, para producir un álbum tributo al grupo británico “Yes”. Robert Berry, Steve Morse, Magellan, Enchant y Cairo entre otros. Annie Haslam vocalista de la banda Renaissance se unió al propio guitarrista de “Yes”, Steve Howe (sorpresivo e inédito que el miembro de un grupo homenajeado participe en su propio tributo), para interpretar de manera magistral “Turn of the Century”.

Siempre busco videos que tengan una buena calidad de audio pero en esta ocasión haré una excepción pues no creo que exista un video profesional en el que aparezcan Steve y Annie por lo que realmente este video aficionado es una rareza. Les recomiendo por lo mismo que escuchen aparte la versión del CD original.

Emerson, Lake & Palmer y el lado épico clásico del rock

Tal vez no haya un grupo de rock progresivo con más influencias clásicas que Emerson, Lake & Palmer. En su discografía hay un claro predominio de ésta línea y el álbum “Works” es el climax de esta tendencia de raíces clásicas contemporáneas integradas al rock. Resulta sobresaliente, la versión de “Fanfarria para un hombre común” de Aaron Copland quien después de oír esta nueva versión de ELP se mostró muy complacido y no era para menos pues increíblemente esta versión es más sonora y épica que el original con Orquesta Sinfónica.

La magia de Imogen Heap

Esta es la tercera vez en el año que selecciono a Imogen Heap como mi artista de la semana, así que no puedo ocultar no solo mi predilección sino mi adicción hacia esta canta autora inglesa de un estilo techno contemporáneo y alternativo Indie. La primera vez que oí su más reciente trabajo "Ellipse", no fue exactamente de mi agrado, pero lo mismo me pasó con “Speak yourself” su anterior álbum, así que lo oí por dos ocasiones más y mágicamente empezó a fluir. Su música es ciertamente complicada y difícil de digerir. Aquí les dejo esta recomendación de otro track de su último álbum que si no les gusta a la primera les pido que lo oigan por segunda vez y sabrán de la magia que les hablo.

Ana Vidovic y el lado femenino de la Guitarra Clásica

Aunque no existe una gran difusión de la participación femenina en el arte de tocar la Guitarra Clásica, hay grandes talentos femeniles entre los que destacan Sharon Wayne, Lynn Harting-Ware, Sharon Isbin, Liona Boyd, Ana Vidovic, Martha Masters, Heike Matthiesen, Yvonne Helkenberg, Filomena Moretti entre muchas otras. En esta ocasión hablaré solamente de dos de ellas. La norteamericana Sharon Isbin, discípula de los maestros Alirio Diaz y Andrés Segovia, quien a lo largo de tres décadas ha dado numerosos conciertos alrededor del mundo y recibido un sinnúmero de galardones entre los que cuenta un Grammy en categoría de música clásica. Y la niña genio virtuosa de la guitarra, la croata Ana Vidovic, quien desde los once años ha pisado escenarios internacionales, ganado innumerables premios en Inglaterra, Italia y España y de la cual les dedico este video con un clásico preferido de lo virtuosos, el tercer movimiento Allegro de la “Catedral” de Agustín Barrios.

Beach Boys, Arena, Sol, Mar y Tonadas

Cuando a fines de los ochentas se estrenó la película “Coktail” estelarizada por Tom Cruise (recién impulsado a la fama por su hit “Top Gun” y Elizabeth Shue (No tan desconocida tampoco, después de su introducción a la fama tras su participación en “Karate Kid”). Más allá de la delicia romántica de una trama tan simple como era el argumento de este celuloide me sorprendió el soundtrack del filme "Kokomo" que es una combinación de vallenato con bachata pop, capturando la escencia de estos ritmos caribeños. Pero todavía más sorprendente fue saber que el interprete de esta cadenciosa pieza era uno de los grupos más populares de los 60’s: “The Beach Boys”. Este grupo que quizá haya sido el primer conjunto que creó un concepto comercial, vendiendo sol, arena, mar y tablas de surf en cada una de sus producciones, arribaba al puesto número 1 de las listas de popularidad después de 22 años de ausencia.

Aruba, Jamaica ooo I wanna take you.

Bermuda, Bahama come on pretty mama.

Key largo, Montego baby why don’t we go.

Jamaica...

Disfrútenlo por favor

Iona y el Progresivo Céltico

Iona es un grupo de Rock Británico cuyo nombre fue inspirado en un acrónimo utilizado para reunir en un solo término el conjunto de islas que conforman el Reino Unido (Islands of the North Atlantic). Junto con Clannad y Enya son los elementos más representativos de la corriente de música denominada Céltica aunque Iona intenta un sonido más de fusión con Rock progresivo y componentes de Jazz que le dan un toque menos tradicional y más contemporáneo. Su cantante Joanne Hogg es reconocida como un ícono de esta corriente que ha estado en los escenarios por alrededor de dos décadas. Y aquí una muestra con esta pieza “Treasure” de su álbum “Beyond These Shores”.

Orquesta Trans-Siberiana y cuatro historias

Esta vez se unen cuatro historias en una obra musical. La primera es acerca del concepto Musical de cuatro músicos Neoyorquinos que bajo el nombre de Orquesta Trans-Siberiana combina elementos de música clásica con un sonido épico de Rock metálico. La segunda es la de la melodia “Carol of the Bells” del ucraniano Mykola Dmytrovych Leontovych que tras de su estreno en 1916, se volvió una obra clásica que en tiempos modernos ha sido asociado con la celebración de la Navidad. La tercera es el villancico británico “God rest you merry, gentleman” de gran popularidad en los Estados Unidos. La cuarta es la amalgama de estas dos composiciones en una obra llamada “Christmas Eve/Sarajevo 12/24” cuyo autor Paul O'Neill, Fundador y director del proyecto Orquesta Transiberiana define como el relato musical cuyo personaje principal es el viloncellista Bosnio Vedran Smailović quien al volver después de años de ausencia encontró su ciudad Sarajevo en ruinas y en medio del conflicto de los países Balcánicos, se paseaba por las calles tocando villancicos con su violoncello en ambos lados de la batalla como una muestra de buena voluntad en medio de la guerra. Paul representa el hecho según explica con la Orquesta de un lado, el grupo de rock del otro lado y en medio el violoncello de Vedran. Disfrútenlo por favor.

Riverside, Rock más allá de la Cortina de Hierro

Poco se difunde del arte rockero de los países de Europa del Este, pero tras la caída del “Muro de Berlin” ha habido una mayor apertura a este tipo de expresiones musicales con influencias occidentales al interior de estos países y en naciones como Rusia, Slovakia, República Checa y Polonia se están gestando movimientos rockeros de gran fuerza pero sobre todo de gran calidad. Sin pretender ser un gran conocedor de estas corrientes en aquellas regiones del mundo, la banda que hasta ahora más me ha impresionado es “Riverside”. Este grupo Polaco con menos de una década de existencia ha logrado colocarse en la escena mundial como uno de los mejores grupos de Rock Progresivo contemporáneo en una línea con toques metaleros con una notable influencia de “Porcupine Tree”. Aquí un video de “O2 Panic Room” de su album “Rapid Eye Movement”

Josh Grobam y su gran voz

Cuando oí por primera vez a Josh Grobam, hace como unos cinco años, lo imaginé como un cantante obeso de unos cuarenta años, definitivamente lejano a la realidad. Este cantante que maneja registros de tenor y barítono, en su todavía corta carrera ha logrado vender alrededor de unos 20 millones de discos en un género que no se caracteriza por sus altas ventas. Ha cantado a lado a lado de grandes luminarias como Sarah Brightman, Elton John, Stevie Wonder, Andrea Bocelli, Barbra Streisand, Celine Dion y Plácido Domingo entre otros.
La canción que hoy les invito a ver ya se las había recomendado con el autor original Don McLean,

http://espaciodegustavolen.blogspot.com/2008/12/don-mclean-le-canta-al-genio-creador.html

y esta otra versión tiene el gran atractivo aparte de la gran voz de Josh, del acompañamiento del excelente guitarrista Christopher Parkening.

Barry White, pionero de la era "Disco"

En 1973 cuando en los estudios de la 20th Century Records Barry componía y producía para diversos artistas, nadie imaginó el suceso que iba a resultar cuando en una versión demo que estaba destinada para otro cantante se le pidió a Barry que mientras se encontraba al cantante, Barry hiciera la interpretación. El artista se negó en un inicio, principalmente porque años atrás ya había grabado algunos temas sin ninguna trascendencia, pero tras la insistencia de Larry Nunes productor de la firma lo hizo para saltar a la fama con su hit “I'm Gonna Love Ya Just a Little More, Baby” que rápidamente se colocó en los primeros sitios de popularidad alrededor del mundo. Barry creó un estilo único a tal grado que no pienso que exista alguien que haya intentado algo similar. Un año más tarde cristalizó uno de sus grandes sueños de juventud al hacer arreglos y dirigir una orquesta para su obra “Love’s theme” que se convirtió en uno de las pocas interpretaciones instrumentales en alcanzar el #1 del Billboard y cuya influencia de ensamble de cuerdas dio su sello característico a la era “Disco” que irrumpió los escenarios de 1974 en adelante.

Mark Nopfler, el corazón de Dire Straits

Como a menudo sucede en bandas de gran éxito, siempre hay un elemento líder que conduce el destino del grupo hacia el éxito y luego al fracaso. Tal es el caso de Dire Straits quien bajo la tutela de Mark Knopfler llegó a la cúspide a fines de la década de los 70’s llevando al grupo británico a los “Top Charts” tanto en Europa como en los Estados Unidos quienes posteriormente a este súbito éxito en sus primeras grabaciones descendieron en popularidad cuando a mediados de los 80’s Mark se concentró más en proyectos de solista. La banda dejó oficialmente de existir a mediados de los 90’s y Mark ha continuado exitosamente una carrera como solista con numerosos reconocimientos incluyendo dos Grammys y su inclusión en las listas de los mejores guitarristas de todos los tiempos. Aquí les dejo el video de uno de sus grandes éxitos: Sultans Of Swing.

Claude Bolling y Jean Pierre Rampal la finura del Jazz

La década de los 70’s que tan prolífica fue en lo que a buena música se refiere nos dejó a través de dos excelentes músicos el legado de esta obra magnificente denominada “Suite for Flute and Jazz piano trio”. Claude Bolling y Jean Pierre Rampal plasmaron en dicha obra una verdadera joya de Jazz apoyada en estructuras barrocas y swing que es una delicia para los oídos más exigentes. La obra inverosílmente (por su naturaleza Jazz/Clásica) ocupó un lugar dentro de los Top 40 de la lista del Billboard por 530 semanas consecutivas (es decir más de diez años). Este video (Baroque and Blue) es sólo una muestra del álbum que les recomiendo oigan por completo.

Imogen Heap, ahora virtuosa del Monome

Este fin de semana me encontré con la grata sorpresa de ver en televisión a Imogen Heap. La cantante británica de género Indie, estuvo en meses recientes preparando lo que ahora es su nuevo material discográfico, el cual todavía no escucho a excepción de este track “First Train Home” que fue a promocionar al programa de David Letterman. Me sorprende siempre su creatividad, pues esta vez ha incluido un Monome (two fifty six de segunda generación) que es una matriz de interruptores luminosos que conectados a su secuenciador produce un efecto Techno de vanguardia combinado con el “Grand Piano”. Disfrútenlo por favor.

O Terço, El lado carioca del Rock Progresivo

En plena efervescencia del Rock Progresivo sinfónico Británico e Italiano durante los 70’s, en Brasil, tierra fértil de talento musical, surge O Terço, para abanderar este movimiento en tierras cariocas. Con altibajos, el grupo ha sobrevivido a través de las décadas para seguir deleitándonos con su música. Aquí les dejo uno de sus clásicos “1974” del álbum “Criaturas da Noite” por muchos considerado como el mejor álbum del grupo en su discografía, esta vez "en vivo" acompañados por una orquesta sinfónica.

Roger Hodgson y su gran obra maestra

Cuando en 1983 Roger Hodgson decidió abandonar la agrupación “Supertramp”, se cerró una de las páginas gloriosas del Rock progresivo. Cierto que “Supertramp” continuó de la mano de su otro genio creador Rick Davies quien en conjunto con Roger firmaron en co-autoría la totalidad de los éxitos de la banda, pero al darse el divorcio musical cada uno continuó por separado con su propio catálogo distinguido primordialmente por quién interpretaba cada una de las melodías en el grupo. No me parece que desde entonces ni Rick ni Roger hayan alcanzado las alturas de su creatividad como cuando producían juntos. Recientemente vi un video de Roger en Montreal (2006) y me sorprendió pues acompañado solo por su piano y guitarra con un músico de soporte armó toda su discografía clásica(la de "Supertramp" principalmente) con un toque extremo de sensibilidad. Aquí les dejo el video de lo que considero es su gran obra maestra “Fool’s Overture” y en la que es acompañado por la orquesta del evento “Night of the Proms” en el año 2004.

Led Zeppelin y la evolución al progresivo

Aunque muchos grupos progresivos han tenido notables raíces de rock and roll, blues y jazz, siempre me ha parecido que Led Zeppelin fue el primero en llevar a cabo una transformación en una especie de cross over desde estas corrientes musicales hasta una fusión progresiva moderna.
Tras el rompimiento del grupo a principio de los 80’s luego del desafortunado deceso de su baterista (John Bonham), han habido esporádicos reencuentros en los que se le ha unido el hijo de Bonham, Jason, sin embargo el vocalista Robert Plant, ha estado muy renuente últimamente a una gira y a la publicación de material original que ha sido desarrollado por Page y Jones con la esperanza de que Robert se les una, cosa que parece no va a suceder. Se ha rumorado que han ensayado con Myles Kennedy (vocalista de Alter Bridge) con el objetivo de una posible gira en fechas próximas, pero ninguna fuente oficial ha confirmado el hecho. Aquí les dejo un video con una de las obras más épica de grupo: “Kashmir”

Creed, de nuevo al abordaje

Gran expectación ha despertado la reunión de los miembros originales de Creed. Las opiniones al respecto son muy encontradas, mientras hay quienes piensan que Mark Tremonti debería dedicarse a su proyecto con Alter Bridge (el cual está claro que continúa), otros piensan que ha sido un gran acierto esta reunión. Se rumora que su vocalista Scott Stapp no está en su mejor momento y que esto no funcionará. Por lo pronto inician una gira de 41 conciertos que comienza mañana en Pittsburgh. También están preparando la publicación de nuevo material que aparentemente será lanzado durante la gira. Aquí por lo pronto les dejo este video con uno de su grandes éxitos “One last breath”

Asia de regreso, ¡Yes!

Durante los 80’s el rock progresivo se vio sacudido en virtud de que algunos de sus máximos exponentes giraron en dirección de hacer un rock más accesible para atraer mayores audiencias. Como notables ejemplos tenemos a los super grupos Yes y Génesis quienes por primera vez figuraron en los Top Charts Pop Rock al lado de Michael Bolton, Elton John y otras grandes figuras del género. En esta tendencia, cuatro excelentes músicos de grupos de prosapia integraron en 1981 el grupo Asia. Recientemente se reunieron los miembros originales de la banda (John Wetton, Steve Howe, Geoff Downes y Carl Palmer) para grabar un nuevo material e iniciar una gira mundial que en este año se está llevando a cabo a lado de Yes. Aquí como referencia una presentación de ellos en 1983 en donde en lugar de Wetton vemos a Greg Lake (otro grande) en el bajo y vocales.

Sergio Mendes, Renovarse o morir

Este fin de semana entre otras cosas, tuve la oportunidad de presenciar en vivo a Sergio Mendes. Desde los 70’s he sido admirador de su ritmo y rica instrumentación brasileña que imprime un sabor único a las música carioca. En fechas recientes Sergio ha integrado una fusión Hip-Hop a su música, imagino que para captar la atención de nuevas generaciones, lo cual creo que no ha logrado, pues en la audiencia, el público joven era prácticamente nulo, sin embargo el público de más de 40 disfrutamos de una agradable velada. Siempre tengo la mentalidad abierta para aceptar lo nuevo y aprecio mucho los ritmos fusión, pero en este caso particular creo que el Hip-hop no le aporta mucho a la Samba y al Bosa. Aquí les dejo un video de su más reciente trabajo con Black Eyes Peas

Waldo de los Rios crossover del Clásico al Pop

En 1971 el músico arreglista argentino Waldo de los Rios irrumpió en los “Top Charts” alrededor del mundo de manera sorpresiva con una melodía basada en el primer movimiento “molto allegro” de la obra Sinfonía No. 40 de Mozart. Lo sorprendente en sí no es que Waldo hubiera tomado una obra clásica y la instrumentara con un toque pop (ya lo había hecho antes con La Oda a la alegría de Beethoven), sino que hubiera alcanzado primerísimos lugares con dicha interpretación. Waldo, discípulo de Alberto Ginastera, no era un músico convencional. Experimentó con su grupo “Los Waldos” sonidos fusión argentinos con instrumentos modernos y más tarde emigró a Europa en donde tuvo un connotado éxito como conductor y arreglista para grandes artistas europeos complementándolo con trabajos como solista instrumental. Aquí un fragmento de su mencionado trabajo sobre Mozart.

Neil Diamond, hoy en el día del Padre

Neil Diamond es un cantante y compositor Neoyorkino muy prolífico cuya vigencia e influencia desde la década de los 60’s hasta nuestros días ha sido notoria. Su longeva carrera plagada de éxitos principalmente en sus tres primeras décadas de presencia le han merecido múltiples reconocimientos y una enorme cantidad de copias vendidas que en el año 2000 superaron los 100 millones alrededor del mundo. De un notable estilo pop comercial, su calidad musical es innegable y sus producciones siempre han sido notables. Aquí a propósito del día del padre les dejo uno de los tracks “Dear Father” que desarrolló para la película “Juan Salvador Gaviota” y que le mereció el Grammy a “La mejor música original para una película” en 1974. Muchos críticos coinciden que la película deja mucho que desear e inclusive Richard Bach, autor del libro en el cual se basa la película, demandó a la productora cuando vio el resultado. Así que mejor lean el libro y oigan la música.

Béla Fleck en pléyade musical

Béla Anton Leoš Fleck es un virtuoso norteamericano del Banjo que tras participar en diversas agrupaciones y proyectos individuales, forma su grupo “Béla Fleck and the Flecktones” en el año 1988. Desde sus inicios el grupo se distingue por un sonido innovador aplicado a las estructuras de Jazz tradicional. Los hermanos Wooten, Victor al bajo y Roy “Future Man” en las percusiones electrónicas sintetizadas complementados con el tradicional sonido del sax de Jeff Coffin y por supuesto el Banjo electroacústrico de Béla. En esta presentación realizada en el Quick Center For The Arts de Fairfield, Connecticut en el año 2000, vemos además a Paul McCandless en el sax soprano, a Paul Hanson en el fagot y Andy Narell en una versión percusiva electrónica denominada steelpans.

Los 50 más grandes guitarristas de todos los tiempos

En el 2003 la revista Rolling Stone publicó una lista de 100 guitarristas que a su consideración son los mejores en toda la historia del instrumento. La lista desde su publicación ha sido polémica pues le faltan muchos grandes nombres, pareciera que algunos de los lugares de abajo merecieran posiciones de más arriba ocupadas por otros que a juicio de algunos críticos no son mejores. Desde mi particular punto de vista no creo que haya una lista que deje satisfecho a todos pues pienso que la mayoría tenemos una lista de favoritos más que un juicio imparcial de la destreza y técnica en la ejecución del instrumento. Y esta es la principal razón por la que en lugar de criticar o comentar el listado, he preparado un video con fragmentos de las posiciones en orden regresivo desde el 50 hasta el 1. Espero que lo disfruten como yo.

Tony Iommi pionero del Metal Pesado

No tengo la menor duda que el cerebro musical de Black Sabath es su guitarrista Tony Iommi quien inicialmente tenía un papel secundario en la banda británica opacada sólo por las excentricidades de Ozzy Osbourne, quien debido a sus excesos tuvo que ser apartado del grupo en 1979 para que Tony tomara el liderazgo absoluto de la asociación. El guitarrista zurdo a la edad de 17 años sufrió un lamentable accidente en una fábrica en el que perdió las yemas de los dedos medio y anular de su mano derecha. Siendo Tomy guitarrista zurdo, parecería como si su carrera habría terminado ahí, pero en lugar de renunciar decidió fabricarse unas prótesis de plástico por si mismo y continuar con su don para escribir grandes páginas del Heavy Metal. Tony fue incluido por la prestigiada revista “Rolling Stone” en la polémica lista de los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos. Aquí en un video en el que interpreta el celebérrimo éxito “Paranoid”.

Metallica, cuando el "Trash Metal" se viste de etiqueta

A pesar de que la carrera de Metallica, grupo norteamericano de rock (Trash metal), no ha sido no muy prolífica si evaluamos el número de producciones en estudio (9), comparada con los años que llevan en los escenarios (28), en cambio ha sido muy exitosa en lo comercial tomando en cuenta los más de 100 millones de copias que sus álbumes han vendido alrededor del mundo. Una de las cosas más sorprendentes del grupo es que a más de un cuarto de siglo, su música suena muy contemporánea y la prueba son las nuevas legiones de generaciones adolescentes que se integran cada año a los grupos de “fans” de la banda alrededor del mundo.En su discografía, me llama la atención de sobremanera su álbum “S&M” con orquesta sinfónica. La introducción de arreglos orquestales no es innovador ni único en los grupos rockeros pero este trabajo de Metallica me parece sobresaliente pues el distorsionador metálico de las guitarras y el compás rítmico de bajo y percusiones se integran perfectamente con los arreglos sinfónicos para la creación de una obra singular. Aquí les dejo la interpretación de “The Call of Ktulu” que les mereció en el 2001 el Grammy a la mejor interpretación instrumental de rock.

Innuendo, El último suspiro de Queen

Es innegable la contribución de la banda británica “Queen” al movimiento universal rockero. Más allá de las estadísticas de popularidad en ventas y premios obtenidos, me gustaría resaltar la originalidad y creatividad del grupo y la calidad de todas sus producciones que sin lugar a dudas ponen a “Queen” en un alto rango de toda la familia rockera sin importar las divididas preferencias entre diversas corrientes como, metal, progresivo, hard, etc. Tuve el privilegio de asistir a uno de sus conciertos en 1981 y quedé pasmado de la magnificencia de su espectáculo y la conmocionante presencia de Fred Mercury en el escenario. Aquí les dejo lo que mucha gente considera la pieza más progresiva y emotiva del grupo en una etapa terminal de la enfermedad de Fred que meses más tarde lamentablemente lo condujo a la muerte. Es notable la participación de Steve Howe, guitarra del grupo “Yes” en una sección de esta pieza ejecutando con la maestría a que nos tiene acostumbrado un pasaje con estilo español.

Steve Hackett master de los armónicos

La primera vez que escuché "Horizonts" del guitarrista de Génesis Steve Hackett, me quedé sorprendido de como pudo haber él imaginado una canción con tantos armónicos. Para quienes no estén familiarizados con técnicas de guitarra clásica, les diré que en un armónico el sonido se obtiene cuando los dedos de la mano derecha en lugar de presionar la cuerda para obtener la nota desde el traste, solamente se roza sin presionar, dando un efecto como de campana. Lo sorprendente no es en si hacer el armónico, sino hacer tantos en una secuencia con una idea melódica dado que la cantidad de armónicos naturales es limitada y por tanto crear una melodía diría que es imposible si no existiera "Horizonts", la pieza es muy pequeña y se agradece al autor, pues no requiere de una mayor extensión para disfrutarse.

Tori Amos en una interpretación "Breathy"

Tori Amos es otro de esos ejemplos de genialidad precoz al aprender a tocar el piano a los tres años y componer a los cuatro. Obtuvo una beca a la edad de cinco años para estudiar en el conservatorio Peabody de Maryland, siendo la estudiante más joven que haya estudiado en esta institución y de la cual fue expulsada años más tarde pues continuamente interpretaba al piano a Led Zeppelin y otros connotados rockeros que le tenían restringido de interpretar. En 1988 consigue un contrato con Atlantic Records y a la fecha ha publicado alrededor de veinte álbumes con ventas de más de doce millones de copias (a pesar de un estilo alternativo poco comercial) ha sido a nominada 10 veces al premio Grammy (Aunque nunca lo ha ganado) . Aquí les recomiendo un cover pausado y sofocante (que en inglés le llaman “breathy”) que hizo del mega éxito "Smells like teen spirit” de la agrupación Nirvana.

Imogen Heap, virtuosa del vocoder

Imogen Heap es una canta-autora británica quien desde muy temprana edad aprendió el arte de la música no solo tocando varios instrumentos sino mostrando una gran creatividad precoz a partir de composiciones originales e innovadoras ideas. Su primera producción “I Megaphone”, sin tener nada que ver con su innegable calidad, tuvo una seire de tropiezos principalmente porque los sellos disqueros que han tenido los derechos han pasado por diferentes dueños desde la original “Almo sounds” en UK, pasando por Zora en Japón hasta una firma brasileña que recientemente adquirió los derechos. Ante estas circunstancias Imogen decide producir y emitir su segunda producción “Speak yourself” de manera independiente, con un notable éxito comercial. Su sencillo “Hide & Seek” se convierte en el #5 del top más vendido en iTunes en Julio del 2005 (posición notable para una firma independiente), llamando la atención de Sony quien a través de RCA obtuvo la licencia para imprimirlo y publicarlo.
Usualmente selecciono un video muestra como recomendación pero esta vez haré una excepción poniendo dos pues ambos me parecen sobresalientes.
El primero es el track que ya mencioné de “Hide & Seek” que se ha convertido en un clásico coral, el cual desde su publicación ha motivado diferentes “covers”, el segundo es “Just for now”. Ambos videos son de una presentación en una estación de radio y en los cuales nos muestra una habilidad insólita para utilizar un “sampler-vocoder” como medio de acompañamiento.

Zooey Deschanel, una artista completa

“Von Iva” son un trio femenino Indie-Electropunk de San Francisco formado por Jillian Iva (vocalista) “Bex” Rebecca Kupersmith (teclados) y “Lay Lay” Kelly Harris (Batería). Ellas a lado de Zooey Deschanel, forman una ficticia banda denominada Munchausen by Proxy en la película “Yes man”, estelarizada por Jim Carrey (que si no han visto, les recomiendo lo hagan),
Zooey Deschanel quien aparte de un don Natural para la música ha tenido una destacada participación en producciones de Hollywood, después de varios trabajos como solista paralelamente a su destacada carrera como actriz, ha formado un dueto desde el 2008 con M. Ward, denominado She & Him con quien tiene algunas grabaciones y presentaciones personales con un discreto éxito. Para la película “Yes man” se seleccionó a Zooey acertadamente para el papel co-estelar a quien vemos interpretando “Sweet Ballad” en una de las escenas de la mencionada película.

Yanni, Profeta en su tierra

En 1993 cuando Yanni ya tenía una reconocida trayectoria musical, se embarcó en el proyecto más ambicioso de su carrera que fue el de producir un concierto en vivo en el espectacular escenario de la Acrópolis de Grecia, país de donde él es originario. El video fue difundido en TV por la cadena PBS a más de 65 países y está colocado como el segundo título musical más vendido de la historia y ha obtenido innumerables y reconocidos premios. Hay una pieza: “Aria”, que desde mi punto de vista sobresale en esta producción, que es una obra basada en la ópera Lakmé del músico francés Leo Delibes y que en mi apreciación musical, Yanni ha recreado para lograr una pieza diferente con más vigor y expresión que la original. También me parece que la versión de Acrópolis supera a la versión de estudio del mismo Yanni, en lo cual tienen mucho que ver las dos cantantes Darlene Koldenhoven y Lynn Davis quienes interpretan de una manera soberbia y sublime a la vez esta pieza que por ningún motivo deben perderse.

10cc y su sonido etéreo

El otro día un amigo me preguntó cuál había sido el primer grupo de rock progresivo que hubiera yo escuchado y vino a mi mente el disco de vinil “Fragile” de “Yes” en 1976, pero haciendo memoria un poco más hacia atrás me di cuenta que era la agrupación “10cc” con su mega éxito “I’m not in Love” en 1975. Esta pieza del álbum “The Original Soundtrack” tuvo una amplia difusión en la radio alrededor del mundo por la novedosa instrumentación que el grupo produjo a través de múltiples grabaciones de una sola voz hasta obtener 256 notas empalmadas para producir un efecto coral que muchos calificaron de etéreo.
El grupo de alguna forma ha permanecido en activo con cambios múltiples y desde 1995 no ha vuelto a producir un álbum en estudio, pero han habido algunos de presentaciones en vivo y recopilaciones. El video que aquí les dejo es precisamente de su hit “I’m not in love”.

Clare Torry y sus cinco minutos de gloria

Cuando en 1972, Pink Floyd estaba desarrollando los temas para su siguiente álbum “Dark Side of the Moon”, Rick Wright escribió una pieza instrumental que iba acompañada de un texto recitado con el motivo central dedicado a la muerte. Roger Waters originador del concepto y principal escritor de las letras y de la música del álbum, sugirió incorporar voz a la melodía por lo que Alan Parsons, productor del grupo en esa época, se le ocurrió que una cantante con la que previamente había trabajado podría realizar el trabajo. Así que llamó a Clare Torry un domingo por la noche, por lo cual se le tuvo que pagar el doble, un total de £30. Sin una idea todavía clara se le pidió a Clare improvisara sobre la base del piano de Rick y después de un par de horas quedó concluida una de la obras maestras del rock: “The Great Gig in the Sky”. Increíblemente, Clare nunca fue invitada a posteriores presentaciones en vivo del grupo en donde usualmente para cubrir el rango del registro de la cantante se utilizaban varias vocalistas, y después de esa ocasión no volvió a reunirse con el grupo sino hasta 1990 en el concierto de Knebworth. El trabajo individual de Clare no ha tenido una mayor difusión por lo que es difícil establecer un juicio de su capacidad como solista.
En el 2004 (después de 32 años) Clare entabló una demanda en contra de EMI y Pink Floyd reclamando la co-autoría de la pieza ganando un año después por lo que recibió una compensación en efectivo y el crédito en todas las re-ediciones posteriores a la fecha. La versión que aquí les muestro es del álbum P.U.L.S.E. de un concierto en Londres en 1994 en donde acompañan a Pink Floyd (Sin Roger Waters) Sam Brown, Claudia Fontaine y Durga McBroom en las vocales.

Mike Oldfield y su estilo único

Mike Oldfield es un artista al que escuché por primera vez en 1974 con su álbum “Hergest Ridge”. Para entonces él ya había publicado su celebérrimo trabajo “Tubular Bells”, el que tal vez mucha gente identifique, pues es el tema base de la película “El Exorcista”. Me resulta difícil clasificar este artista pues la variedad de estilos e instrumentos que maneja es notable, con una gran riqueza de ritmos y armonías entre orientales y occidentales que a veces se le coloca como “Céltico” otras como ”New Age” y otras más como Progresivo “Cross over”, la verdad es que más allá de las etiquetas, su música es única, diferente a cualquier otra que hallamos escuchado. Es también digno de elogiarse que en sus primeros trabajos él se encargaba de ejecutar todos los instrumentos y dadas las limitaciones técnicas de la época (principios de los 70’s) es doblemente admirable. En este video me he permitido poner algunos extractos de una presentación en vivo de 1981 con la ejecución en vivo de su álbum “Ommadawn” del cual les recomiendo que escuchen la versión completa en estudio pues la edición en vivo, aún cuando nos presenta la emotividad del artista, en este caso ha omitido muchos instrumentos en su ejecución y la ecualización que se utilizó fue muy elemental. No se esfuercen por entender la letra que se canta pues no está escrita en ningún idioma sino que son fonemas que el artista inventó y de la misma forma aún cuando algunas personas le han encontrado un significado al título de álbum, la realidad es que fue un nombre que se le ocurrió a Mike sin un significado en mente, como él lo ha confirmado en algunas entrevistas.

Steven Wilson, innovando sonido

Steven Wilson el reconocido guitarrista líder de la Banda Británica Procupine Tree es sin duda uno de los más influyentes músicos de rock contemporáneo. Steven inició su carrera más que como músico como ingeniero de sonidos y mezclas auxiliado por su padre quien como ingeniero electrónico le diseñó un equipo de grabación de múltiples pistas con el que Steven experimentó durante su adolescencia con diferentes efectos de sonido. De hecho su primer álbum "On The Sunday Of Life", era un proyecto personal de Steven quien creó una serie de ensayos musicales de una banda imaginaria de los 70’s denominada Porcupine Tree el cual llamó la atención de la naciente firma discográfica Delirium quienes en 1991 publicaron exitosamente dicho trabajo. No fue sino hasta el tercer album “The sky moves sideways” que la banda ya se conformó con los músicos actuales. En este video vemos a Steven con otro músico sobresaliente: Jordan Rudess (Dream Theater) en un clásico acústico de PT, Lazarus.

Neal Morse: Un genio interpretando a otro genio

A pesar de la gran tradición musical de los Estados Unidos, me es difícil encontrar gigantes del rock progresivo en los niveles con los que cuenta el continente europeo, principalmente la Gran Bretaña. Sin embargo los hay y muestra de ello es Neal Morse, quien desde los cinco años aprendió a tocar piano y guitarra y en su adolescencia viajó a Europa no solo a estudiar sino a participar en diversos proyectos musicales que al final derivaron a su regreso a Estados Unidos en la fundación del exitoso grupo Spock’s Beard. Más tarde en el 2000, se une a Mike Portnoy (Dream Theater), Roine Stolt (Flower Kings) y Pete Trewavas(Marillion) para formar la superbanda Transatlantic. En este video veremos Neil en una notable interpretacion de "Oh, Darling" a lado de Mike Portnoy en un tributo a los Beatles. Grabación hecha en un club de Nueva York en mayo del 2003. Dicho proyecto fue denominado Yellow Matter Custard.

Paco Renteria: Una guitarra de Magia

Paco Rentería es un guitarrista tapatío (de Guadalajara, México), con una respetable trayectoria de aproximadamente una década por los escenarios en el mundo. Entre los hechos más sobresalientes de su carrera cuenta con el de haber compuesto el famoso tema “Mariachi” del la película “Desperado” que estelarizaran Antonio Banderas y Salma Hayek, asi como el haber sido nominado al premio “Grammy” en la categoría de “New wave” por su album “Océano”.
Acaba de publicarse su trabajo “Paco Rentería en concierto” el cual les recomiendo ampliamente pues nos muestra una magnífica selección de temas de sus discos anteriores con una soberbia interpretación de su grupo musical a quienes les permite lucir su virtuosismo en solos de violín, flauta y trompeta además de la propia guitarra de Paco. El video a continuación no pertenece al trabajo que les menciono, pero también nos muestra su calidad tanto de compositor como de interprete.

Ringo Starr, conjuntando estrellas

Desde 1989 a la fecha, Ringo Starr el legendario baterista del grupo musical de rock más afamado de la historia, “The Beatles", ha encontrado una fórmula comercial mágica que le ha permitido reunir una pléyade de estrellas del firmamento musical para efectuar giras mundiales en donde se interpretan los éxitos individuales de cada uno de sus miembros invitados a lo que el ha denominado “Ringo Starr & His All-Starr Band”. Son diez ya las ediciones en las que ha conformado dicha banda en las que ha incluido miembros tan distinguidos como Billy Preston, Joe Walsh, Mark Farner, John Entwistle y Edgar Winter sólo por mencionar algunos.
En su séptima reunión en el 2001, llamó la atención la inclusión de dos miembros del género progresivo como son Greg Lake (Emerson Lake & Palmer) y Roger Hodgson (Supertramp) y es precisamente con ellos el video que hoy les recomiendo con uno de los clásicos de EL&P, "Lucky Man”

Desiderata

En 1971 el locutor de radio y televisión estadounidense Les Crane, sorprendió al mundo colocando en los Top Charts de habla inglesa la versión de audio de un poema en prosa hasta entonces poco conocido: "Desiderata".
Era tan poca la información que había entonces acerca del poema, que el disco fue registrado con autoría del dominio público, hasta que los descendientes de Max Ehrmann autor del escrito, reclamaron las regalías del mismo tras su éxito que lo llevó incluso a obtener un Grammy.
En México ha sido grabado en español por varias excelentes voces, primeramente por Arturo Benavides y posteriormente por Jorge Lavat y Paco Stanley. En las tres versiones ellos han utilizado como base el tema musical creado como fondo de la versión en Inglés.
Sin lugar a dudas este fue el primer mensaje motivacional que haya yo escuchado.
Aquí les dejo un video que he editado a fin de puedan leer la letra mientras disfrutan de la gran voz de Arturo Benavides.

Clannad y la música Céltica

Grandes aportaciones ha hecho Irlanda a la música contemporánea en el mundo, sólo por citar algunos ejemplos tenemos a The Corrs, Crankberries y U2, pero quizá el más trascendente de ellos sea Clannad. Este grupo formado en los 70’s principalmente por los miembros de la familia Bhraonáin o también deletreada Brennan, cuyos integrantes, los hermanos Moya, Pól y Ciarán tomaron las raíces de la música folclórica irlandesa para proyectarla al mundo en una corriente que fue denominada como “Céltica”. Un hecho transcendente fue la integración de su joven hermana Eithne Patricia Ní, quien participó en un par de albumes a principios de los 80’s y quien posteriormente inició una exitosa carrera como solista bajo el nombre de Enya, piedra angular de la música “New Age”. Aquí les recomiendo este video en el que el grupo hace dueto con Bono (U2).

Marcelo Molina y su Monumento a las Mujeres

Después de que en la década de los 80’s escuché esta canción programada en la radio, le perdí el rastro. Como si nunca hubiera existido, la busqué por tiendas de discos y foros en Internet sin que existiera un menor rastro, hasta que el año pasado encontré una versión en Youtube lo cual me condujo de alguna forma tener el contacto por escrito con Marcelo Molina, autor y cantante de esta que yo le referí es “Un monumento hecho canción a las Mujeres”. En los sitios que encontré había gente que daba una versión de que está canción era interpretada por Julio Iglesias cosa que Marcelo aclaró explicando que el productor y los músicos que intervinieron en su grabación estuvieron trabajando con Julio también en el mismo estudio en la misma época que data este poema de canción. El texto íntegro de un correo que Marcelo me envió, por si alguien está interesado en saber los pormenores de como nació esta canción, está en el link de youtube en donde subí el video que les presento a continuación.

Clifford T. Ward y una historia de amor

Clifford T. Ward es un canta-autor inglés cuya difusión de este lado del Atlántico (América) fue muy limitada. Yo tuve la oportunidad de escucharlo por primera vez en los 70’s en virtud de que encontré una copia de su álbum “Mantle Pieces” en una fonoteca pública que grabé en cinta y que por años reproduje continuamente. No fue hasta que el Internet se volvió cosa cotidania en los 90’s que pude conseguir más música de este notable músico que partió en el 2001. Aquí les dejo este video editado de una presentación en vivo con el audio de estudio para compensar la calidad del audio original que no permitía disfrutar la canción, especialmente para aquellos que no la han oído antes. Hay una versión no confirmada de que esta canción “Gaye” fue dedicada a una aeromoza francesa, un amor fugaz del cantante, pero esto nunca fue confirmado por ninguna fuente confiable ni por el mismo Clifford tampoco, sin embargo llamó la atención que escribiera otra canción “To an air hostess” en donde abiertamente habla de una azafata de “Air France” de quien dice la canción se enamoró y por lo cual dedica esa canción. En una biografía escrita por Dave Cartwright, se aclara que es una historia ficticia. Si tienen tiempo, les recomiendo buscar más música de este artista, es una delicia.