Phil Collins, Pop y Rock en una sola personalidad

No hay un personaje más controvertido en el mundo “prog” que Phil Collins, quien a la salida de Peter Gabriel en la agrupación “Genesis” tomó el liderazgo de la banda para llevarla a planos de gran popularidad que hasta la fecha han sido muy comentados pero sobre todo criticados. Desde mi punto de vista, la salida de Gabriel aceleró la contenida creatividad y calidad de un músico que ante el talento de Hacket, Rutherford, Banks y Gabriel pareciera ser un músico gris detrás de los tambores del grupo y que sin embargo pudo brillar con luz propia dominando dos géneros incompatibles como son el Pop y el Rock a niveles de super estrellato. Aquí les dejo una de mis canciones favoritas (Pop) de Phil, “Groovy kind of love”.

Julio Revueltas, una guitarra multifacética

Debo admitir que a Julio Revueltas no había tenido la fortuna de oírlo hasta muy recientemente, al personalizar en last.fm una estación de radio con música afín a Joe Satriani. El sitio me envió el tema “volviendo a casa” que inicialmente pensé que era de Satriani pero mirando posteriormente los créditos, me di cuenta que se trataba de otro músico: Julio Revueltas. Me di a la tarea de investigar un poco del artista y me encontré con una vasta y variada discografía en la que interpreta música de varios géneros que van desde lo clásico e instrumental, hasta jazz y rock incluyendo algunas interpretaciones de música mexicana. También ejecuta una variante de guitarra eléctrica con un arco a manera de violín, lo cual hace con mucha destreza y virtuosismo.
Seleccioné una pieza de corte mexicano, pues realmente es una delicia el escuchar el arreglo tan cadencioso entre moderno y tradicional que logró este talentoso músico y que por supuesto no deben perderse.

Don McLean le canta al genio creador

Don McLean probablemente pase a la historia por haber creado una melodía que se volvió un ícono de la cultura norteamericana denominada “America Pie” el cual estuvo dedicada a Buddy Holly, Ritchie Valens, and J. P. Richardson (The Big Bopper), cantantes que en 1959 murieron en un accidente aeronáutico y que Don lo refiere como “The day the music die”. He querido utilizar esto como introducción a la recomendación de esta semana y que no es precisamente este mega éxito de Don que en una época más recientemente, Madonna lo proyectó con un video muy polémico a nuevas generaciones. Mi recomendación es una canción menos conocida pero si muy difundida de este cantautor denominada “Vincent” la cual es un tributo a Vincent Van Gogh y también conocida como “Starry, starry night” haciendo referencia a uno de las obras pictóricas del genio pintor quien murió a raíz de una enfermedad mental que los expertos todavía no han podido ponerse de acuerdo, pero que al mismo tiempo muchos opinan que fue una fuerte detonadora de su creatividad. Hay muchos sitios en donde encontrarán la letra y la traducción de la misma y por lo pronto junto con el video de youtube, les envío el enlace de uno de esos sitios.

http://www.luisbeltran.com/archivos/2006/03/vincent-don-mclean-starry-starry-night/

Annie Haslam, pilar de Renaissance

Hay tres voces femeninas que en la década de los 70’s brillaron intensamente y que desde mi particular punto de vista son las tres mejores (se que la lista es grande y hubieron muchas muy buenas, pero estas son mis tres) : Ann Wilson (Heart), Karen Capenter (The Carpenters) y Annie Haslam(Renaissance). Hoy voy a presentar a Annie quien quizá de las tres que menciono haya sido la menos difundida por dos circunstancias, la primera es que su trabajo más sobresaliente fue a lado del grupo Británico Renaissance con quienes desde su ingreso en 1971 hasta su salida en 1977 cuando decidió iniciar una carrera como solista, logró un sonado éxito. Y la segunda es que su línea musical es poco comercial que comprende música folclórica británica y música clásica. Por otro lado desde la década de los ochenta varios ex miembros de Renaissance incluyendo Annie han intentado por separado revivir Renaissance hasta 1998 en los que se logró reunir en un solo escenario a los principales integrantes sin el éxito esperado. Funcionalmente la banda dejó de existir desde el primer momento que Annie la abandonó. Aquí les dejo uno de los grandes éxitos del grupo "Carpet of the Sun" en sus épocas de gloria.

Sissel: crossover del Bel Canto

Cuando en 1986 le otorgaron a Andrew Lloyd Webber el Grammy en la categoría de música clásica por su “Pie Jesu” de el “Requiem” que escribió tras la muerte de su padre, fue una gran distinción que se le otorgara este galardón exclusivo para músicos del género clásico, siendo Andrew un músico contemporáneo de línea popular comercial que se ha distinguido por la composición de comedias musicales y óperas rock como “Jesucristo Superestrella”, “Evita”, “Cats”, “El fantasma de la ópera” y al menos otra decena de exitosas obras musicales. También es un hecho singular que una pieza de carácter funeral haya llegado al primer lugar del “Top chart” británico. La cantante que aquí interpreta esta obra es la noruega Sissel Kyrkjebø quien es una reconocida soprano del “Bel canto” en una categoría que han dado en denominar como “crossover” ó dicho de otra manera, llevar la música clásica cantada a niveles de audiencia populares.

El último monumento épico de "Yes"

El album “Drama” de Yes en el año de 1980 provocó un “shock” para los seguidores más puristas del grupo, no sólo por la impensable ausencia de la voz distintiva de Jon Anderson sino por la inclusión de los pioneros del Technopop “The Buggles”.

Más allá de todos los prejuicios, pienso que este álbum fue la última gran joya de la banda en estudio. Geoff Downes y Trevor Horn (Cuyo pecado fue el megaéxito “El video que mató a la estrella de radio”) inyectaron nuevas y frescas ideas al grupo con elementos innovadores que con el soporte del bajo, guitarra y coros de Squire y Howe hacen que el sonido Yes se mantenga intacto. Este trabajo menospreciado por algunos críticos en la década de los ochentas, por la inclusión de estos dos elementos que en apariencia no tenían nada que ver con el género progresivo, hoy se erige como el último monumento épico del grupo. Aquí una muestra (Tempus Fugit) del material del álbum.

Un retro por Derek Sherinian

Una mis canciones favoritas de todos los tiempos es “In the summertime” del británico Mungo Jerry, que fue un hit a nivel mundial en el año de 1970. La canción tiene un ritmo de swing cantado como reggae muy rítmico que te obliga a moverte desde tu asiento. No había oído ninguna otra versión de esta “rola” hasta recientemente que la encontré en la discografía de Derek Sherinian a quien había oido con “Dream Theater” aunque sé que tiene proyectos asociados con muchos músicos de línea progresiva. En esta versión convocó a connotados músicos de la talla de Slash (Guns&Roses) y Billy Idol.

Tarja Turunen educando al Metal

Hacia el final de la década de los 90’s, en Finlandia se gestó un movimiento que desató un genero conocido como “Metal de vocalista femenina”.
Nightwish es la agrupación que muchos reconocen como la iniciadora del movimiento, elevando el rock metálico a otras dimensiones al integrar una voz femenina de registros operísticos a las vocales del grupo. La banda inmediatamente ganó adeptos, primeramente en el norte de Europa y posteriormente ya entrado el nuevo siglo su popularidad a nivel mundial ha sido notoria a tal grado que el movimiento musical de los géneros “Gothic” y “Metal Power”, no pueden entenderse sin las aportaciones de Nightwish y su vocalista Tarja Turunen. Hoy podemos visualizar a todas las bandas de esto géneros alrededor del mundo tratando de seguir este ejemplo. Tarja desde mi punto de vista le vino a dar un sello característico al género que dejó como legado al separarse del grupo hace tres años en circunstancias muy polémicas. Afortunadamente para la música, tanto Nightwish como Tarja han continuado muy exitosos en proyectos por separado después del doloroso rompimiento.
Aquí uno de sus reconocidos clásicos “Sleeping Sun”

Gotan Project o Techno-tango en fusión

Gotan Project es un grupo mutinacional (Francia/Argentina/Suiza) que desde París se ha planteado proponer creativamente una perspectiva diferente de lo que es el Tango, presentándonos un sonido fusión de Tango/Milonga tradicional con instrumentos electrónicos que le dan un toque de modernidad conservando base y esencia del género original que es la clave de una buena fusión. Uno de sus temas Santa María (del buen ayre), aparece en la película estelarizada por Jennifer López y Richard Gere “Shall we dance” que es un buen agregado a la música y que les recomiendo que vean y por supuesto que oigan.

Sting a la guitarra

Creo que es de mucha gente conocido que Sting aparte de ser un gran cantante y un inspirado compositor es un excelente bajista, lo cual no es garantía de ser un excelente guitarrista, pero en esta canción Sting nos muestra un poco de su talento en esta faceta un tanto cuanto desconocida de él. La melodía originalmente fue creada para un dueto con Julio Iglesias, en la década de los 80’s intentando darle un toque ligeramente español con la guitarra acústica, lo cual pienso no se dio ni en ésta, ni en la versión original. Estas versiones electroacústicas si embargo le dan la oportunidad al artista de mostrarse de una manera más directa y auténtica con el publico, como en este video que les recomiendo no perderse.

Peter Gabriel & Kate Bush: No te rindas

Hay divididas opiniones acerca de si Peter Gabriel, alguna vez líder creativo del grupo Británico "Genesis", pudo ó no emprender los vuelos en su carrera de solista a las alturas musicales que tuvo con en el grupo.
A pesar de que su trabajo como solista es notablemente respetable, mi particular punto de vista es que su participación con Génesis fue más trascendente y es la que al final quedará registrada en los anales de la música.
Peter es un artista muy completo que no solamente ha buscado la expresión musical como medio, sino que ha explorado también las artes visuales con gran éxito.
Aquí nos entrega una pequeña muestra de su creatividad con esta interpretación a dúo con Kate Bush de su canción “Don’t give up” de la cual hay una versión céltica más reciente con “Gregorian” (Masters of Chant) y Hepsibah (quien en realidad es Sarah Brightman que por razones de contrato recibe el crédito bajo el mencionado pseudónimo), la cual tambien les recomiendo que busquen y oigan.

t.A.T.u. La alternativa musical Rusa

En 1999 Ivan Shapovalov y su socio Alexander Voitinskyi dos productores rusos, concibieron la idea de un proyecto musical que empezó con una audición masiva de vocalistas femeninas en la que resultaron elegidas Yulia Volkova and Lena Katina, exintegrantes de un grupo juvenil ruso orientado a la audiencia infantil (Naposedi).
Deciden bautizar al grupo con el nombre de t.A.T.u. siglas de un vocablo ruso que significa “Esto había”.

Precedidas de un notable éxito en los países de Europa del Este en el 2002 se les proyecta en el mercado anglo co-producidas por el exintegrante de “Buggles” y “Yes” Trevor Horn con el album “200 km/h in the Wrong Lane” que contiene los sonados éxitos del grupo "Not Gonna Get Us" ("Нас Не Догонят") y “All the Things She Said” (“Я сошла с ума") que ha vendido más de cinco millones de copias alrededor del mundo. A pesar de que t.A.T.u. es un grupo conceptual fabricado, creo que poseen un sólido sonido alternativo muy original y de gran calidad, que va más allá de la imagen publicitaria lésbica que les ha sido fabricada en su estrategia de mercadotecnia. Sobresale también su trabajo con el grupo alemán Rammstein. Aquí la versión en ruso de "Not Gonna Get Us"

Solo para "fans" de "The Who"

En realidad este video solamente puede ser disfrutado por aquellos que hayan oido suficientemente la "rola": "Won't Get Fooled Again", del legendario grupo "The Who". Este video muestra a John Entwistle, integrante del grupo tocando su bajo sin que se escuchen los demás instrumentos. Hay que tener un poco de paciencia, pues hay algunos intervalos de silencio, algunos de ellos relativamente largos, pero la soberbia ejecución de John lo compensa con creces. Este video es parte del documental de la banda "The Kids Are Alright".

Aquí les dejo la versión con todos los instrumentos después de que vean el de John.

Giorgio Moroder, Pionero del Technopop

Giorgio Moroder es un reconocido músico y productor italiano ganador de algunos premios de la academia por la musicalización de filmes como “Flash Dance”, “Top Gun” y “The Neverending Story”, pero desde mi punto de vista no es esto por lo que Giorgio pasará a la historia sino por haber creado la primera serie de ejercicios de Música Technopop antes que nadie. Eran los años 70’s en plena efervescencia de la música “Disco”, Giorgio ya en esa época era un reconocido productor en Europa. Giorgio trabajaba en Alemania entonces produciendo discos y una de las coristas del grupo que trabaja en los “sets” de grabación atrajo su atención, ella era Donna Summer, le hicieron la prueba para grabar una canción experimental llamada “Love to love you , Baby”, lo demás es historia conocida. Más tarde Giorgio buscando un sonido más rítmico utilizando secuenciadotes electrónicos probó que la música electrónica podría aportar mucho a la música popular y creó el primer hit Technopop de la historia “I feel love” interpretado por la misma Donna Summer que se proyectó al primer lugar de todos los “Top Chart” en el mundo en el 77 y 78. De ahí para adelante la música Techno dominó la escena Europea durante casi toda la década de los80’s.

El lado acústico de YES

Esta es una canción que el grupo británico "Yes" nunca ha grabado en estudio y que desde el 2002 ha incluido en sus presentaciones en vivo. Especialmente porque ahora con regularidad en sus conciertos, está incluyendo versiones "unplugged" de las obras más solicitadas por sus fans como son "Roundabout" y "Owner of a broken heart". Quizá esta melodía no sea una muestra cercana a la fuerza progresiva de "Yes" a la que nos tiene acostumbrados en sus casi cuatro décadas de permanencia pero nos muestra una faceta de la banda en la que con una tonada básica puede crear maravillas de singular Belleza. La melodía es "Show me".

Coldplay en Rythms del Mundo

Artists Project Earth es una organización no lucrativa dedicada a la asistencia social durante y después de eventos ocasionados por desastres naturales.

Hace alrededor de 3 años Kenny Young compositor y productor norteamericano ante la tragedia del Tsunami que devastó algunas poblaciones del sureste de Asia en 2004 empezo a fraguar la idea de cómo ayudar ante esta clase de contingencias y al final entre varios proyectos surgió el de conjuntar estrellas de la canción anglo como son Sting, Dido, Maroon 5, U2 y Coldplay entre otros y algunos miembros del conjunto cubano Buenavista Social Club, Ibrahim Ferrer y Omara Portuondo surgiendo un material sui generis que conjunta corrientes de rock, pop y R&B con el sabor cubano de rumba guaracha, son y cha cha cha que son base de la "salsa" que surgió en Nueva York alrededor de los años 60's. El nombre del album es "Rythms del Mundo".
Aquí una muestra de ello en este trabajo donde Coldplay nos muestra su celebérrima obra "Clocks" en esta versión latina.

Cuando los gigantes se juntan...

No sé como nació, ni de dónde vino la expresión "Monstruo de la canción" haciendo alusión a personajes connotados del ambiente musical, pero en lugar de ello les llamaré gigantes que me parece más apropiado. Y este es el caso de estos dos personajes que aquí les presento. Pink Floyd (que pienso, no requiere ninguna introducción) en este concierto en Knebworth, lidereado por David Gilmour y teniendo de invitada ni más ni menos que a Candy Dulfer a quien ya he presentado con anterioridad en este espacio. Y en el video "Sax Goddess" el lado femenino del Sax.
Podemos ver a una Candy casi adololescente hace 18 años quien probablemente cumplió un sueño al tocar junto con este grupo en ese entonces (1990) ya consagrado. También nótese la emoción de Nick Mason impactando con energía rítmica su batería. Este video de “Shine on you crazy” es una reconocida “Master piece” del album de Pink Floyd “Wish you were here

Pink Floyd and Candy Dulfer 1990

¡Mamma Mia! ¡Qué Película!

Con el espíritu rockero con el que he crecido a veces resulta inexplicable como disfruto del "pop" también. Esta dualidad de gusto musical me permite apreciar lo bueno de dos mundos musicales aparentemente irreconciliables. Hago referencia a esto como preámbulo a la la siguiente recomendación que hago. Acabo de ver la película "Mamma Mia", musical basado en canciones muy exitosas del grupo sueco ABBA. Esta película es una delicia que nadie que haya vivido los finales de los 70's y principios de los 80's debe perderse. Si es en una sala cinematográfica con sonido "surround" esto les dejará una grata experiencia. Es típico que cuando empiezan a aparecer los créditos al final de una película, mucha gente abandona la sala sin prestar atención a la música y escenas del cierre, pero como referencia, en la función que presencié la gente no se movía de sus asientos pues el encanto de esta música nos mantenía pegados a los asientos, hasta que salió Meryl Streep en pantalla a preguntarnos que hacíamos sentados allí todavía. Aquí les dejo un clip con una nueva versión de "I have a dream" interpretada por Amanda Seyfried (la protagonista joven del filme), acompañada de mandolinas con la dulzura y la cadencia de los ritmos griegos (lugar en donde está ambientada la película). ¡Que lo disfruten!

Torax: Un bajo con escencia de mujer

Torax es una agrupación de Córdoba, Argentina que recién se ha integrado, con un gran estilo que amalgama rock con raíces jazzisticas.

En lugar de hacer una reseña de este conjunto, les dejo aquí un enlace en donde pueden saber más del grupo y escuchar su música, y este sorprendente video de Brenda Martin, bajista del grupo.

http://profile.myspace.com/index.cfm?fuseaction=user.viewprofile&friendid=210863061

Rick Wakeman ó el linaje de los teclados en el rock

Por una extraña circunstancia, las estrellas de los grupos de rock después de los vocalistas son los guitarristas. Se han tejido historias de virtuosismo alrededor de las guitarras eléctricas al grado de denominar a los ejecutantes de éstas “guitar gods”, sin embargo hay dos tecladistas de la vieja guardia rockera que desde mi punto de vista rompen este paradigma. Uno es Keith Emerson y el otro es Rick Wakeman.
El británico Rick Wakeman después de haber tocado para connotados artistas de la talla de David Bowie y Cat Stevens se integró al legendario grupo de rock progresivo Yes, con quien en dos épocas ha participado en los casi 40 años de éxito de esta agrupación. Rick también ha consolidado una firme carrera como solista. Lo que realmente me sorprende de Mr. Wakeman es que más allá de tu técnica de ejecución, posee una gran variedad de estilos que van desde lo clásico a lo rockero pasando por ciertas tendencias instrumentales llamadas en el mundo “anglo” como “easy listening” de gran calidad. Una segunda generación de Wakeman ha aparecido en los escenarios: Adam y Oliver, hijos de Rick quienes si no heredaron el talento del padre, al menos el gusto por la ejecución de la buena música si. Aquí una presentación en vivo de este virtuosísimo músico interpretando extractos de piezas de su autoría.

El Sonido Fusión de Café Tacuba

La idea de integrar sonidos y ritmos de folclor local en una banda de rock no es algo nuevo ni desconocido. Desde los 60's/70's con Bob Dylan, Joan Báez y Simon & Garfunkel en los Estados Unidos así como Jethro Tull en el Reino Unido y Los Jaivas en Sudamérica son ejemplos muy notables de estas fusiones. A pesar de que hay múltiples ejemplos de este movimiento, no quiero ahondar demasiado en el tema, sino más bien introducir a quienes considero en México son buenos representantes de esta tendencia. Café Tacuba me parece innovador en este sentido creando un sonido muy distintivo que igual integra sonidos urbanos así como ritmos y coplas de los medios rurales. Esto desde mi punto de vista, es un ejemplo de que la vanguardia no está peleada con las raíces del ser humano, sino por el contrario la fortalece. Me gusta cuando el artista goza la ejecución en escena pues esto transmite emociones en el auditorio que son la base del éxito de una presentación en vivo como es este el caso.

Oxígeno de Jean Michel Jarre: El parteaguas de la música Techno

30 años ya desde la introducción de este magnifico album (Oxígeno - Jean Michel Jarre). A pesar de que algunos antecesores de música electrónica habían hecho magníficos trabajos como fue el caso de Walter/Wendy Carlos con la música para la película "Naranja Mecánica", Vangelis cuya música fue popularizada años más tarde, al ser la base de fondo de la serie de TV "Cosmos" conducida por el astrónomo Carl Sagan y Tomita un extraordinario músico Japonés que publicó una serie de trabajos utilizando temas de música clásica, el músico francés Jean Michel Jarre desarrolló un concepto de música instrumental inédita con un fondo de ensambles sintetizados, secuencias rítmicas y melodías pegajosas. Esto desencadenó en una corriente en Europa que mas tarde derivó en el Techno en los 80's, la música Trance en los 90's y tendencias de DJ y mezclas de nuestro siglo

Darbouka y la percusión de Oriente Medio

Siempre he tenido curiosidad por la música que se produce en otras latitudes, especialmente la que no tiene mucha difusión en nuestro país. Hay un elemento común en la música de todas las culturas que es la apreciación en el virtuosismo al ejecutar los instrumentos musicales. El darbouka es un tambor muy parecido entre bongó y conga de nuestros ritmos latinos, solo que con una caja de resonancia en forma de “copa” dándole al ejecutor la oportunidad de acceder a notas graves y agudas en el mismo instrumento. Aquí vemos al libanés Raymond Hajj, por muchos considerado el mejor percusionista de medio oriente.

El mejor guitarrista del Mundo... Bueno, eso digo yo

Hace algún tiempo, un amigo mío, conociendo mi gusto por la guitarra me metió en aprietos al preguntarme cuál era, desde mi punto de vista, el mejor guitarrista del mundo. Le mencioné varios guitarristas y me interrumpió para pedirme que sólo le mencionara uno, el mejor. Si tal era el caso, le pedí una semana para darle una respuesta, pues quería ser más objetivo, tenía muchos pensamientos encontrados. Le di vuelta a mi discoteca, consulté sitios especializados para evitar dejar de considerar a alguno que se me hubiera pasado. Aún cuando me decidí seleccionando a uno, aún así pienso que hay muchos muy buenos, virtuosos, técnicos, emotivos. Otra de las dificultades estriba en que tenía que considerar a tanto guitarristas acústicos como eléctricos de muy diferentes géneros en una sola categoría. Es muy obvio que mi opinión es discutible y no pretende ser absoluta sino una simple apreciación de un audiófilo de cuatro décadas.
Paco de Lucía es el que seleccioné como el mejor. A este guitarrista español de estilo flamenco tuve la oportunidad de escucharlo en vivo en la década de los ochentas pero ya tenía una colección de sus discos (en vinil) que incluía “Fuente y Caudal”, “Hispanoamérica” y sus trabajos en trío con Di Meola y Mc Laughlin. Una de las cosas que impacta de Paco de Lucía es que ejecuta su instrumento de tal forma que pareciera que no requiere de un mínimo esfuerzo. Su técnica queda de manifiesto en la limpieza y la exactitud con la que ejecuta el famoso “Concierto de Aranjuez”. Paco a sus sesenta años sigue deleitándonos con su arte alrededor del mundo. Aquí un clásico de su autoría: “Entre dos Aguas”.

Un son jarocho desde el Lejano Oriente

Nicolás Caballero es un connotado arpista paraguayo que un tiempo radicó en Japón. Durante su estancia en el lejano Oriente tuvo como discípula a Mika Agematsu quien sin lugar a dudas es poseedora de un gran talento que ha transcendido ejecutando un excelente repertorio de música Latinoamérica. Mika junto con su esposo Hitoshi Fujima, ha formado un grupo denominado “Cruz del Sur”. Me llama la atención el virtuosismo con el que ejecuta con su Arpa, el son jaliscience “El cascabel” interpretado al estilo jarocho y las expresiones en su rostro en el transcurso de su ejecución que demuestran lo mucho que disfruta de este arte.

Parole, parole … El sabor “pop” Europeo de los 70’s

Durante finales de los 60’s y principio de los 70’s la música italiana hizo grandes aportaciones al “pop” universal y una de ellas es esta bella melodía que fue universalmente popularizada en su versión en francés por una cantante Egipcia: Dalida y el mega actor francés Alain Delon. En años recientes una de mis cantantes favoritas, Celine Dion tuvo la desafortunada decisión de interpretar está canción en francés junto con Delon que para quienes conocimos la versión Dalida/Delon, dejó mucho que desear. En fecha reciente se me ocurrió emitir un comentario al respecto en youtube acerca de que la versión Dalida/Delon me parecía mejor que inclusive la original en italiano de Mina y Alberto Lupo consiguiendo una réplica abrumadora de italianos que defendieron fervientemente a sus compatriotas. En México tuvimos una versión en español cantada por Ivonne Govea y la parte hablada a cargo de Jorge Rivero (No tan mal). Aquí te dejo mi versión favorita.

Elton - Cuatro décadas de permanencia

Aunque no soy fanático de Elton John si soy su admirador (si hay diferencia). Hace unas horas tuve la oportunidad de ver su show en Atlantic City y realmente es asombrosa la manera en que cuando muchos de sus contemporáneos ya se encuentran en el retiro, Elton sigue vigente. La fuerza de su presencia en la escena es gracias a que su timbre y potencia de voz no ha decaído con el tiempo y sus teclados se oyen mejor que nunca.
Después de darle una repasada a todo su repertorio de “Números Uno” como llamó a su “Tour Rocket Man” del 2008, Elton cerró su presentación con “Your song”, una de mis canciones favoritas de todos los tiempos. Debo decir que aunque he oído cientos de veces esta canción, el oírla en vivo y en directo con uno de sus creadores (la letra es un poema de Bernie Taupin, co-autor de muchos de sus éxitos), realmente resultó un momento muy emotivo para todo los que estuvimos presentes. El video siguiente es de otra presentación de este artista y que pongo aquí como referencia.

El Arpa Guitarra

Otra de las variantes interesantes que tiene este instrumento maravilloso que es la guitarra, es una combinación de arpa y guitarra. Este instrumento no es un capricho de nuestros tiempos, sino que tiene un historial que data del siglo XVII. El agregado de arpa le integra una sonoridad inusitada al instrumento, principalmente en las notas graves, pero al aumentar el volumen de la caja de resonancia, se favorece en general todo el sonido acústico del instrumento.
De los ejecutantes modernos del instrumento probablemente el más reconocido sea Andy McKee quien imprime un estilo clásico-céltico a sus interpretaciones de una gran calidad.

El Maestro del Ukelele

Las variantes que los instrumentos de cuerda semejantes a la guitarra es casi interminable. Entre los hermanos menores (por el tamaño, no por su edad), podemos enlistar la mandolina en Italia/Grecia, el banjo en los Estados Unidos, la balalaica en Rusia, el cuatro de los venezolanos, el charango de los Andes y la jarana de nuestro Veracruz en México. No menos notable es el Ukelele hawaiano cuyo dulce agudo timbre le da un matiz diferente a las canciones occidentales a las que estamos acostumbrados a oír. Cuando vi la película “Como si fuera la primera vez (50 first dates)” con Adam Sandler y Drew Barrymore (Si no la has visto te la recomiendo), me cautivó la canción al final “Somewhere over the rainbow” interpretada magistralmente por Israel Kamakawiwo'ole (IZ), que con su voz y ukelele convierte esta canción en toda una creación que podemos disfrutar en este video

TechnoRock

Como ingeniero, siempre he disfrutado del sonido tecnológico integrado a la música. Mis primeras preferencias en este género datan de inicio de los 70’s con Walter Carlos y sus arreglos de los clásicos a música sintetizada, el japonés Tomita y el francés Jean Michel Jarre. Pero ya un sistema electrónico más fusionado al rock lo pude encontrar con Tangerine Dream. En las siguientes décadas no puedo encontrar otro grupo que realmente llene mis expectativas a excepción de Ozric Tentacles. Grupo inglés predominamente instrumental que inició su carrera a mediados de los 80’s y que ha sobrevivido por ya casi 25 años con un sonido fusión Techno-Rock que a veces suena un poco Trance pero integrador de diversos ritmos que le dan una riqueza superior a sus secuencias programadas .

El "Master Degree" de la Guitarra

Para quienes hemos estudiado guitarra clásica, no hay duda que hay dos piezas que se ven como el “master degree” de la ejecución del instrumento. Estas piezas son “Asturias” (también conocida como ”Leyenda”) de Isaac Albéniz y “Recuerdos de la Alhambra” de Francisco Tárrega . Esta última, a mi en lo particular me gusta más pues aparte de la técnica para su ejecución, por su finura y exquisitez romántica, el sonido del trémolo se percibe como si fueran dos guitarras, una cantando (con las notas graves) y otra acompañando (con las notas agudas). Sobre quién es el guitarrista que mejor la ha ejecutado, si es Narciso Yepes, John Williams o los hermanos Ángel ó Pepe Romero (y otra decena de guitarristas profesionales) es intrascendente ya que la belleza melódica de la pieza está por encima de la interpretación del artista. He aquí una de las interpretaciones con Pepe Romero.

Música para volar de verdad

A pesar de que no soy un fanático del Rock en Español, no puedo negar que he escuchado una buena parte del repertorio rockero latino y desde luego que puedo apreciar la calidad de algunos músicos hispano-parlantes.
Gustavo Cerati líder de la banda argentina “Soda Stereo” es uno de ellos. Canta, compone y toca de una manera excelente y fuera de su personalidad típicamente argentina creo que todo va bien.
Hace unos diez años cuando todavía la fiebre del unplugged no había ganado tantos adeptos como hoy en día, Cerati y su banda intentaron incursionar en la corriente, pero a decir verdad les quedó un trabajo unplugged a medias pero no por ello falto de calidad. Mucha gente lo rebautizó después con el término re-plugged dado la inclusión clara de guitarra y teclados eléctricos utilizados en la instrumentación del álbum.
La canción que te recomiendo es la que abre el álbum y que interpreta mi tocayo acompañado de Andrea Echeverri (cantante de “Aterciopelados”) y que mas allá del dueto, me sorprende la manera magistral con la que Cerati toca la guitarra ayudado por el efecto de un buen “distorsionador” el cual le imprime un sonido electrónico envolvente pocas veces escuchado en nuestras corrientes latinas.
Esta canción recientemente la interpretó Cerati en el concierto Alas en Buenos Aires a lado de Shakira. La fuerza interpretativa de Shakira se roba el espectáculo pero me parece mejor desde el punto de vista rockero la versión de MTV de hace una década (inclusive mejor que la versión original de estudio).

La ciudad de la furia from Luis Manuel on Vimeo.

Candy Dulfer ó "El lado femenino del Sax‏"

No hace muchos años que oí una nueva versión de “Pick up the pieces” una pieza de la banda escocesa “Average White Band” que tuvo mucha difusión en los años 70’s. Después de escuchar esta versión con más fuerza y vitalidad, me di a la tarea de buscar más cosas del artista. Cuál fue mi sorpresa al enterarme que la interpretaba una mujer saxofonista: Candy Dulfer.
Sin pretender ser un experto de Jazz pero pienso que Candy es uno de los pilares del Jazz contemporáneo creando un estilo con notable influencia de Jazz clásico con fusiones de funky que le dan un toque muycomercial a su obra. Asi como algunas interpretaciones de “Easy listening” muy al estilo poularizado por Kenny G. Hablo de la “comercialidad” porque mucha gente piensa que esto esta peleado con la calidad, lo cual no considero que sea una regla y Candy es el ejemplo vivo de ello.

Fina música de Brasil para el mundo

A finales de los años 50’s, los brasileños experimentaron metiendo notas de contratiempo (síncopa) al Jazz (concepto que ya venían manejando en sus ritmos de samba), lo cual los llevó a desarrollar un estilo finísimo de hacer música y que fue conocido universalmente con el nombre de Bossanova.
La difusión sin embargo de esta corriente, pienso que hubiera quedado en un ámbito local, si un saxofonista estadounidense de origen ucraniano cuyo nombre es Stan Getz, no hubiera contribuido de manera tan activa en la creación de esta fusión Jazz-Samba que en un tiempo se pensó era el ritmo sucesor del rock. Esta fiebre de bossa no pudo prevalecer más allá de su década de auge en los 60’s.

Stan Getz, un saxofonista que había desarrollado una gran habilidad tocando swing y jazz, se unió en un momento de su carrera al matrimonio Joao/Astrud Gilberto consolidando un estilo que los llevó a ganar varios Grammys por sus aportaciones al Bossa.

Wayne Shorter: Un grande del Saxofón

Una lista de saxofonistas grandes estaría incompleta sin la presencia de Wayne Shorter.
Durante mi época de estudiante de música, solía reunirme con amigos fanáticos del Jazz y fue en esos tiempos que escuché a Wayne tocando a lado del legendario Miles Davis (no pienses que en vivo, sino en un excelente equipo de sonido de uno de mis amigos). Pero no fue sino hasta mediados de los 70’s cuando supe que junto a Joseph Zawinul y Jaco Pastorious había formado una banda fusión conocida como “WeatherReport”.

“Heavy Weather” es un disco que en mi apreciación, abrió el Jazz en fusión como un género alterno al rock progresivo, dos corrientes incompatibles hasta entonces, pues los músicos cultos y de escuela oían Jazz (además de música clásica por supuesto) y los líricos Rock.

Puedes disfrutar una versión en vivo de “Birdland”, la canción que es el tema central del álbum que menciono

TecnoArte

Habiendo estudiado una carrera técnica, creo que está más que probada mi inclinación hacia la ciencia y la tecnología, esto en combinación con mi gusto por la música, me ha llevado a buscar la mezcla de ambas cosas. Durante el periodo en el que estudié mi carrera profesional, llevé a cabo experimentos con un chip sintetizador y una memoria que no sonaban mejor que una caja musical mecánica (y sin la bailarina de ballet), pero me producía emoción ver que al menos podía programar algo. Cuando adquirí mi primera computadora personal (Sinclair ZX81).

Lo primero que hice fue programar su sintetizador musical y programé obras de Bach y Vivaldi lo cual fue para mí fue un verdadero placer.
Todo esto te lo comento como preámbulo a mi comentario de un concepto llamado Animusic Wayne Lytle fundador de la mencionada compañía ha logrado fusionar el sonido con imágenes 3D en movimiento, llevando la música a lo que yo llamaría una cuarta dimensión. Wayne ha publicado dos trabajos en DVD (Animusic 1 y 2), en los que perfectamente lleva al espectador por ambientes virtuales en los que combina una fantasía coherente que hace sentido con los conceptos musicales que por siglos han estado vigentes. Su trabajo da como resultado obras altamente tecnológicas produciendo imágenes sincronizadas en espacios virtuales con sonidos instrumentales que trasladan al observador a otros mundos. Estos trabajos no son sucesiones de imagen con música de fondo, No. Son como ver una banda virtual ejecutando una obra con instrumentos virtuales inspirados en los convencionales pero con variantes que solamente pueden ser posibles en la imaginación.

Mi recomendación es una pieza suave, melódica y tranquila que Lytle ha denominado Aqua harp. Esta arpa virtual combina elementos musicales virtuales como flautas, campanas tubulares y violoncellos de una sola cuerda. El elemento visual es importante y puedes observarlo aquí:

El máximo perdedor de Grammys

En la pasada entrega de Grammys, me sorprendió la nominación de Joe Satriani a estos singulares premios, primero porque la canción por la cual fue nominado ya había sido nominada hace 20 años en su versión de estudio original (ahora fue para una versión en vivo), segundo porque esta representó para él su 14ª nominación y tercero porque a pesar de que Joe es el verdadero iniciador del concepto de rock instrumental, categoría para la cual recibe dichas nominaciones, no ha logrado ganar una sola vez. Esta vez no fue la excepción y tampoco pudo llevarse el ansiado galardón y para los que les gustan los records, ahora Joe posee la marca del artista más nominado de la historia que no ha podido ganarlo. Creo que esto en nada demerita su calidad de artista y virtuoso de la guitarra ni su talento como compositor y arreglista.
Por si fuera poco, a nadie mejor que Joe le queda el título de maestro, ya que literalmente le ha dado clases a una larga lista de estudiantes en los que se incluyen a algunos famosos como son Steve Vai, Kirk Hammett (Metallica), David Bryson (Counting Crows), Kevin Cadogan (Third Eye Blind), Larry LaLonde (Primus, Possessed), Alex Skolnick (Testament), Rick Hunolt (Exodus), Phil Kettner (Lääz Rockit) y Charlie Hunter.
Hace como una década, desarrolló un concepto denominado G3 en los que forma trios de guitarra eléctrica con los cuales realiza giras y grabaciones con notables músicos de la talla de Steve Vai, Eric Johnson, Yngwie Malmsteen, John Petrucci, Kenny Wayne Shepherd, Robert Fripp, Uli Jon Roth, Michael Schenker, Adrian Legg y Paul Gilbert.
Mi recomendación de esta semana es precisamente la pieza nominada: “Always with me, always with you” en su versión original. En esta “rola”, Satriani muestra unos compases de una técnica conocida como “tapping” atribuida a Van Halen, que pocos guitarristas ejecutan pero la cual definitivamente Joe Satriani domina con gran precisión y limpieza

Top artist ever in my life

El otro día, viendo el diseño de la página de last.fm se me ocurrió pensar acerca de si hubiera un "Top Artist List" de toda mi vida, es decir cuál es el artista que he escuchado un mayor número de veces en mi existencia, creo que no dudé ni un instante cual sería ese artista. No es Genesis con su "line up" de Phil Collins & Peter Gabriel, no es Pink Floyd ni Yes. No son los Beatles de después de casi cinco décadas ni Julio Iglesias que durante mucho tiempo ostentó el record Guiness del artista más oído del planeta, ni tampoco Pedro Infante que cada vez que pasan películas de él en la "tele", las vuelvo a ver.
La primera vez que tuve noticia de este artista fue en una revista de los 70's denominada "Sonido". Este artista es la agrupación “Heart”. Recuerdo que el artículo mostraba como ilustración la portada de su disco “Little Queen” mostrando a las hermanas Wilson con una indumentaria Gitana. Coincidentemente eran los tiempos en que me inicié en mi primer trabajo remunerado así que cuando me dieron mi primer sueldo, corrí a la tienda de discos y compré todos los discos (de vinil) que pude con ese sueldo. Uno de esos discos fue “Little Queen”.
Fue amor a primera vista, pues aún no había oído su música y ya pensaba que me iba a gustar. En esos tiempos, no era como ahora que podías oír un artista y decidir si querías comprar el disco, principalmente en música no tan popular. Y wow que agradable sorpresa: combinaciones de pasajes acústicos de guitarra (acústica por supuesto), mandolina y flauta, con estruendos rockeros de guitarra eléctrica, bajo y percusión.
Me fue difícil seleccionar este tema que te voy a recomendar, pues hay tanto material de Heart que me gusta, que elegir uno significaría que todos los demás son menos, pero finalmente me decidí por uno.
Desde siempre Ann y Nancy tuvieron una fuerte influencia de Led Zeppelín y lo demuestran en algunos videos de sus inicios en donde cantan clásicos de los maestros pioneros del prog metalero como son “Black Dog”, “Stairway to Heaven” y este que elegí: “Battle of evermore”.
Esta versión que seleccioné es de su DVD “Alive in Seattle (publicado en 2003 y grabado en 2002)” el cual compré para oirlo en Dolby 5.1 (5 canales con subwoofer) y…mis respetos para mis amores platónicos de los 70’s.

si lo quieres comparar con una versión de los maestros “Page & Plant” en vivo también, quienes aún siendo los creadores no tienen ni la mitad de la energía (con todo respeto), fuerza interpretativa pero sobre todo la emotividad de las hermanas Wilson.

Música de nuestra "Tierra Mestiza"

A finales de la década de los 60’s y principio de los 70’s hubo una gran difusión de la música folclórica latinoamericana. Este movimiento de alguna manera se utilizó de fondo musical para promocionar inconformidades sociales derivando en algo que se identificó como “música de protesta”. Para variar esto no fue una idea que se haya generado en nuestra cultura sino que fue algo iniciado en los Estados Unidos con cantantes como Joan Baez y Bob Dylan. No era difícil escuchar en nuestras universidades música en altoparlantes de grupos/cantantes como Violeta Parra, Atahualpa Yupanqui e Inti Illimani entre otros.
Quizá en México el grupo más representativo de este movimiento haya sido Los Folkloristas. Ellos intentaron integrar la música folclórica mexicana a dicho movimiento, cosa que no tuvo un impacto mayor, pues el folclor sudamericano dominó en absoluto la escena, que una vez derribada la “cortina de hierro” se desvaneció como elemento de protesta para convertirse en lo que realmente es, un movimiento de expresión artística de nuestros pueblos.
Los Folkloristas se dedicaron principalmente a “rescatar” las raíces de nuestra música pero a la vez haciendo algunas aportaciones que me parecen valiosas.
La recomendación en esta ocasión es una bella pieza compuesta por este grupo llamada “Tierra Mestiza”. Como ellos lo explicaron en un concierto al que asistí (hace como unos 30 años), es una melodía que lleva como base un son jalisciense (guitarrón) combinado con son huasteco (violín), son jarocho(jarana) y un toque de influencia Sudamérica (quena), que da como resultado un sonido híbrido de gran calidad y mucha fuerza. Disfrútalo!

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